Posteado por: Alberto Rubio | 26 julio 2010

Chicago – El Musical (2009-2010).

“Bienvenidos. Damas y caballeros, van a ver ustedes una historia de asesinatos, corrupción, explotación y traición: todo eso que amamos y llevamos tan cerca del corazón”.

Chicago“. Una historia de celos, amor, pasión, crímenes, juicios, baile y mucho jazz.

Se trata del musical que se ha representado ya 13 años en los teatros de Broadway, 12 temporadas en las salas londinenses y con una estupenda adaptación cinematográfica a manos de Rob Marshall que se enfrentó al proyecto con resultados memorables.

Esa fue la carta de presentación para la llegada en Noviembre pasado al Broadway madrileño de la tan esperada adaptación española con Natalia Millán y Manuel Bandera como estrellas principales así como con la argentina Marcela Paoli.

Tres papeles principales que consiguen adaptar, cada uno con su estilo, para crear un conjunto lleno de fuerza escénica. Sobre todo, Bandera destaca en el número de “A por la pistola van”, con el juego de voces con Roxie a modo de marioneta y un largo solo final que deja boquiabiertos a los que escuchan su potente voz. Frente a él, la experiencia de Paoli tras haber interpretado en Buenos Aires el mismo papel, que le otorga el lado cómico que le hace estar más cercana al público con su chispa y sus expresiones.

A su lado y de un modo secundario pero no por ello peor, les complementan personajes que se hacen un hueco en la función. Por un lado, el marido de Roxie, el enamorado y entrañable Amos, que aunque él no lo crea, todos sabemos que él está ahí y defiende a su mujer ante todo; “Mama”, la guardiana de la cárcel con su gran voz en “Si cuidáis a Mama”; y Mary Sunshine, la periodista que nos da la sorpresa final a todos.

Su apuesta resulta aún más original que en otros musicales al apostar por la fuerza del argumento en sus actores, lejos de grandes decorados, vestuarios o iluminación. Algo nuevo y en principio, chocante. Puede ser objeto de rechazo o de agrado. Pero desde el momento en que arranca “All that jazz”, se vislumbra en sus bailes y la potencia de las voces el poder de la obra.

Habitualmente estamos acostumbrados a ver a la orquesta escondida bajo el stage, pero en esta ocasión, la banda es parte principal del escenario, que interactúa con los personajes y con el público con gran acierto y complicidad, orquestando la música de John Kander con maestría.

Bajo sus canciones recorremos el argumento fielmente reflejado con sus dotes de humor, y en donde los ojos se fijan en ellos a cada paso de baile. Canciones como “Al son del jazz”, o “El tango de la prisión” son ejemplos donde poder contemplar la combinación de coreografía e interpretación por parte de las actrices.

La historia de las chicas de la prisión, Velma Kelly, cantante de cabaret, y Roxie Hart, ama de casa que asesina a su amante al abandonarla, y que sucumben al juego del asesinato con aspiraciones de convertirse en grandes estrellas del Music Hall una vez consigan su libertad a manos del abogado sensacionalista Billy Flinn, es un retrato del Chicago de los años 20. Un argumento basado en un hecho real que dió pie a la creación de la obra.

El domingo 18 de Julio en el Teatro Coliseum de la Gran Vía, se abrió el telón por última vez para todo el elenco que forma “Chicago”. La última función del musical de esta temporada que daba a su fin antes de su gira española. Y no podía despedirse sin una actuación final de todo el equipo dando las gracias finales a sus espectadores.

Posteado por: Alberto Rubio | 2 julio 2010

Bob Art Expo.

“Si yo pinto mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte – Johann Wolfgang von Goethe”.

Hasta el 4 de Julio, ocho famosas obras del arte podrán ser vistas desde una nueva perspectiva. Una jocosa y diferente versión de obras de Van Gogh, Leonardo da Vinci, Boticelli o Salvador Dalí, en la que los personajes de la serie “Bob Esponja”, que tanto éxito ha cosechado, serán partícipes de dichos lienzos, uniendo cultura, arte y humor.

Esta es la pequeña muestra en la que Bob se cuela en la historia del Arte.

1.- “Autoretrato con la oreja vendada – Vincent Van Gogh”.

2.- “El hombre de Vitruvio – Leonardo da Vinci”.

3.- “El Nacimiento de Venús – Andrea Botticelli”.

4.- “Autoretrato de Rembrandt”.

5.- “La persistencia de la memoria – Salvador Dalí”.

6.- “La creación – Miguel Angel”.

7.- “Un domingo de verano en la Grande Jatte – George Seurat”.

Posteado por: Alberto Rubio | 27 mayo 2010

“El Beso” y Robert Doisneau.

“Es importante acentuar el papel que juegan sobre el amor la fisonomía y los gestos tales como un beso. Revelan el auténtico ser de la persona que amamos”. (Jose Ortega y Gasset).

Un beso espontáneo

Robado en un instante

Sorpresa callejera.

El mundo pasa adelante.

Los dos sois el mundo.

Una mirada extranjera.

Un fotográfo con su lente

Una imagen les espera

Para toda la vida.

Así retrató Robert Doisneau la que sería con el tiempo su foto más famosa. Instantes que marcan un antes y un después. Fotos con historia y con historias. Cualquiera puede pensar que es una imagen captada para sorpresa de la pareja en su demostración de afecto callejera. Por lo cual recibió numerosas demandas de parejas que afirmaban ser ellos y reclamaban derechos de imagen. Pero cual fue la sorpresa de que no era así, ya que esa misma pareja de la fotografía aparece en diversas ocasiones posando para él en una sucesión de fotografías por las calles de París. Con lo cual, lo que en principio parece fruto de la espontaneidad, es en realidad un proyecto preparado.

Su serie “Besos” y su obra más famosa “El beso del hotel de Ville”, formaban parte de un proyecto de la revista “America`s Life” acerca de los enamorados de París. Siendo una fuente de ingresos que le daría la fama representando el amor y a París como tal ciudad.

Pero su obra abarca mucho más allá. Su imaginación y su arte se plasma en numerosas fotografías que muestran un nuevo Doisneau, con matices de la vida cotidiana, de imágenes curiosas, retales de posguerra, que nos acercan al autor desconocido y que vive más allá de “El Beso”, aunque siempre se le reconocerá como su obra culmen y la que mejor plasma tantos sentires en blanco y negro.

Porque, ¿quién no ha deseado revivir esa escena estando en París?.

Posteado por: Alberto Rubio | 16 mayo 2010

Alicia en el País de las Maravillas (2010).

“¿También hoy es tu no-cumpleaños?… ¡Qué pequeño es el mundo!” (Lewis Carroll).

Ficha técnica.

– Título: Alicia en el País de las Maravillas

– Título original: Alice in Wonderland

– Dirección: Tim Burton

– País: Estados Unidos

– Año: 2010

– Fecha de estreno: 16/04/2010

– Duración: 150 min.

– Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway, Michael Sheen, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Christopher Lee, Stephen Fry, Crispin Glover, Timothy Spall

– Guión: Linda Woolverton

– Web: adisney.go.com/disneypictures/aliceinwonderland

– Distribuidora: Walt Disney Pictures

– Productora: Walt Disney Pictures, Zanuck Company, The, Tim Burton Productions, Team Todd, Tim Burton Animation Co.

Cuando en 1865 un matemático y escritor inglés llamado Charles Lutwidge Dodgson, aunque más conocido popularmente como Lewis Carroll, escribió “Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas”, no se podría imaginar hasta dónde llegaría el legado de sus palabras. Tal fue el éxito, que le sucedió otro libro un poco menos conocido pero igual de importante en el conjunto: “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí”.

Sus aventuras en dicho país imaginario de criaturas y personajes de cuento, en escenarios inverosímiles, han dado la vuelta al mundo en diferentes lenguas, y su trascendencia ha llegado hasta obras de teatro, musicales, obras literarias, óperas o canciones. Pero la que nos importa hoy es la cinematográfica. Varias han sido las películas que han inspirado su obra, con distintas visiones del clásico. La más conocida hasta la fecha era la de Walt Disney en los años 50, en versión dibujos animados donde se combinaban ambos libros.

Pero actualmente le ha seguido la esperada versión del visionario Tim Burton. De sobra son conocidas sus películas y el estilo que le marca a cada una. Siendo un director idóneo para dar un nuevo giro a su historia, unido a las nuevas técnicas como la captura de movimiento y stop-motion, o el 3D, que permiten crear un mundo y personajes desde actores de carne y hueso con la estética del libro.

Su historia transcurre trece años después de su primera visita. Ahora cuenta con 19 años y está en trámites de una posible boda obligada con alguien a quien no ama. En su petición de mano, intuye ver al Conejo Blanco (el cual creía era sólo parte de un sueño que se repetía una y otra vez). Siguiéndole vuelve a caer en el agujero que la transporta al fantástico mundo escondido, donde no recuerda nada de lo que allí vivió. Sus habitantes están gobernados por la malvada reina de corazones y su dragón, el Galimatazo o Jabberwocky. Ante ello no pueden hacer nada, salvo esperar al día Gloricioso donde se supone que ella les salvará de su tiranía en pos de su hermana, la Reina Blanca que benévolamente, se hará con el reinado.

Aunque sus efectos en tres dimensiones dejan bastante que desear, la película en su globalidad merece un sobresaliente. Desde la elección de los actores en sus papeles (magistral el Sombrerero Loco y la Reina de Corazones, dos actores fetiche de Burton), la adaptación tecnológica del resto de personajes y su entorno, el guión que ha perfilado y el modo en que nos lo hace ver, la música de su banda sonora…

Mucho tuvimos que esperarla con ganas, pero hay que reconocer que una vez vista, no ha defraudado para nada. Y es que sólo Tim Burton podía crear de nuevo el  maravilloso país de Alicia en el siglo XXI. Mucho ha transcurrido desde las primeras letras e ilustraciones originales hasta ésta última. Pero tanto la original como esta última logran colocarse en un pódium que, junto a la versión de Disney, son el triunvirato perfecto de la historia de Alicia.

Posteado por: Alberto Rubio | 9 mayo 2010

Palillos Artísticos.

“El arte es la expresión de los más profundos pensamientos por el camino más sencillo.” (Albert Einstein).

El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos; el cual se muestra de diferentes formas: Arquitectura, pintura, escultura o artes decorativas.

Por ello, se puede encontrar arte en múltiples sitios y formas. Así, por ejemplo, se puede decir que se puede crear arte con palillos y cola blanca. El material no importa si el resultado es una obra que exprese lo que el autor buscaba en su creación.

Como es el caso del barcelonés Camilo Arias, cuya afición a base crear maquetas con palillos le llevó a obras mayores, de una calidad y resultados excelentes, cuya originalidad y esfuerzo son destacables. Sus creaciones abarcan desde la Sagrada Familia, la Torre Eiffel, la Giralda, el Big Ben, el Puente de Londres, el Atomium de Bruselas…

El caso de la Sagrada Familia es el más fastuoso, con un nivel de detalle supremo, y que cuatro meses le llevó terminar. Cuenta incluso con una miniatura del Pantocrátor que da la bienvenida en la catedral real. Con 80 figuras que incluye la obra talladas en madera y que se distribuyen por toda su extensión: 1,20 metros de ancho, 1.40 metros de largo y 1 metro de alto.

¿Los pasos? Previamente a su construcción, se hacen fotografías de la estructura en general y de los detalles en particular para poder reproducirlos a la hora de elaborarla. Como segundo paso, conviene realizar un dibujo a modo de boceto en papel para hacerse con las proporciones adecuadas. Y a la hora de la elaboración, las partes se moldean con varillas y arandelas. Se coloca encima una capa doble de palillos que servirán a modo de ladrillos. Se construyen por partes para poder unirlas entre si y desmontarse si se desea. Una vez seca esa capa, se quitan las varillas y sobre ella se colocan los palillos que harán de capa externa que es la que será la visible. Una vez hecha se pega sobre el soporte de madera y una vez hecho, se elabora el interior cuidadosamente.

Como dato curioso, la Torre Eiffel cuenta con un ascensor interior y el Puente de Londres se eleva para dar paso a los barcos. Sus creaciones se exponen en diversas ciudades españolas y día a día van creciendo en fama e importancia.

Y tras leer esto, se puede decir que algunos hacen arte de su afición ya que, como se dijo al principio, el arte se expresa de múltiples formas como un modo de expresar una visión alternativa del mundo, sea cual sea su material.

Posteado por: Alberto Rubio | 18 abril 2010

Impresionismo: Un nuevo Renacimiento (2010).

“En torno al pintor vilipendiado por el público se ha formado un frente común de pintores y escritores que lo reivindican como un maestro (Emile Zola).”

¿Por qué el arte impresionista atrae a tantas personas? ¿Cuál es su magnetismo? Eso es lo que se pregunta uno al ver las diarias colas que se presentan ante la Fundación Mapfre desde el 15 de Enero a la actualidad para poder ver la exposición de “Impresionismo: Un nuevo Renacimiento”.

 
Incansables aguantan más de una hora frente a la larga fila que lentamente avanza hasta su ansiada entrada. Y todo tiene una razón y un motivo basado en los trazos sueltos y realistas traidos desde el Musée d’Orsay de París, con pintores de renombre mundial y que gratuitamente nos acompañan en el Paseo de Recoletos de Madrid.

Un movimiento que nació en el último tercio del siglo XIX y que supuso una ruptura con los cánones tradicionales, siendo Manet de sus principales precursores. Su mayor influencia vino de España, cuando conoció a Velázquez en el Museo del Prado, y por ello, pintó “El Pífano”, que se inspira en el cuadro de Velázquez, “El bufón Pablo de Valladolid”. Utilizó un fonfo monocromo en gris que resalta el negro de la casaca, el blanco de la bandolera y el rojo de los pantalones. Además, como nota curiosa, el cuadro se asemeja con una carta del tarot de el Bufón del siglo XIX. La lástima fue que la fama que tiene ahora no fuera el reconocimiento que se le negó en su día. Al igual que se reconoce enseguida a Ribera en el cuadro de Ribot “San Sebastian Mártir”.

En el Salón de París por entonces se premiaba un tipo de pintura más conservadora mientras que el nuevo impresionismo estaba abocado al rechazo. Salvo “El Nacimiento de Venus” de Bouguereau que alcanzó gran éxito, con la composición que deja a la diosa en el centro del cuadro y el resto de las figuras proporcionalmente distribuidas a sus lados.

Como reacción a las posturas del Salón, un grupo de jóvenes artistas reacciona con Manet a la cabeza creando una pintura realista, creando la Escuela de Batignolles, que era el barrio donde vivían Manet y gran parte de los maestros impresionistas. Siendo retratados por Fantin-Latour en “Un taller en Batignolles”.

Con el estudio de Bazille como centro de referencia para el conjunto. Donde se reunían para compartir sus ideas, con retratos que se hacían entre si, como por ejemplo, de Bazille a Renoir y viceversa. Un ejemplo está en “El taller de Bazille“, un estudio lleno de luz donde están representados en su naturalidad.

La nueva pintura impresionista que crece se basa en querer plasmar el momento, la realidad, el instante, Abandonando la temática clásica y mitológica anterior, se centran en mostrar el paisaje, la naturaleza como se aprecia en los cielos, el agua o la hierba, con pequeñas pinceladas de colores, que dan esa sensación de vida y movimiento.

También se dan pinturas urbanas como “La Estación de Saint Lazare” de Monet, donde se muestra la llegada del tren a la estación con el humo de la locomotora y unos trazos tan sueltos que en las figuras parece abstracto.

En “Rue Montorgueil de París. Fiesta del 30 de Junio de 1878” se muestra la agitación de la gente ante una celebración callejera, con pinceladas cortas para mostrar la vibración de las banderas francesas y el bullicio de la gente en la calle.

Renoir en “El Columpio” representa una conversación en un parque, con temas más del día a día, captando el juego de miradas entre los personajes.


Pisarro y Cezanne son dos pintores que trabajarían juntos compartiendo ideas y estéticas. En ocasiones pintarán los mismos paisajes pero con puntos de vista diferentes. Pisarro le enseñará las tendencias impresionistas y él las plasmará pero buscando también la estructuración del espacio. Como muestra en “El puente de Maincy” o en sus bodegones.


Otros artistas usan temas urbanos y con estética casi fotográfica como en la obra de Callebotte, “Los acuchilladores de parquet“, como se aprecia en las virutas, las herramientas, las manos, los reflejos de la luz en parquet que dan realismo en los detalles.


Edgar Degas con “La clase de danza” sigue esa línea, con la línea de la perspectiva entre el maestro y la alumna del primer plano y las demás a su alrededor.

En la obra “El desfile” se muestra una temática hípica donde público y jinetes esperan el comienzo de la carrera. Se distinguen las dos zonas, de público y campo de caballos, con una perspectiva entre el tamaño de la gente y el caballo central.


Y en “Escenas de la Bolsa“, hace un retrato indirecto del banquero Ernest May, en su habitual lugar de trabajo y no posando, donde sólo se aprecia su rostro mientras que los demás aparecen difuminados.

Manet irá adquirtiendo mayor fama y así su influencia va creciendo. Pintó al político Georges Clemenceau, donde su fondo neutro y el traje negro centra la vista en su rostro, que seguramente esté basado en una fotografía similar.

A su vez, retrató al poeta Stéphan Mallarmé, sentado con un puro y papeles y la mano en el bolsillo.

Y en “La Evasión de Rochefort” se atisba en el fondo el barco que recogerá a los fugitivos, usando cortas y gruesas pinceladas para el mar y una barquita pequeña que le da sensación de fragilidad y peligro en su viaje.

Así, tras hora y media de espera pude comprobar que merecía la pena si es por ver los cuadros que allí albergaban. Una exposición de alta calidad que muestra y enseña una importante colección de obras y artistas por tiempo limitado dignos de contemplar, y gracias a ello, aprender un poco más y mejor acerca de las obras, su porqué, los artistas, curiosidades, su entorno y la historia de su surgimiento y evolución como aquí he intentado mostrar brevemente.

Posteado por: Alberto Rubio | 9 abril 2010

Poesía inédita Quevedesca.

“Las palabras son como monedas, que una vale por muchas como muchas no valen por una” (Francisco de Quevedo).

La obra literaria de Francisco de Quevedo se ha visto ampliada recientemente con nuevos hallazgos que permanecían ocultos a los ojos de los lectores actuales. Sólo él es el que sabe con exactitud todo aquello que escribió en vida y no se sabe bien donde acabaron todos aquellos escritos. Siendo agradable encontrar escritos inéditos que aún no tenían autor definido, como es este caso.

Las nuevas letras halladas en tierras portuguesas,se basan en versos morales, satíricos, políticos o eróticos que tras un exhaustivo análisis se dió con la certeza de su autoría del caballero de la cruz roja. Nuevas letras que han creado un volumen con su repertorio y del cual, quedan aquí dos ejemplos de los poemas perdidos y hallados:

Descripción de la hermosura.

Piojos cría el cabello más dorado,
lagañas hace el ojo más vistoso,
en la nariz del rostro más hermoso
el asqueroso moco está enredado.
La boca del clavel más encarnado
tal vez regüelda a hálito fatigoso,
y la mano más blanca es muy forzoso
que al culo de su dueño haya llegado.
El mejor papo de la dama mea
y [a] dos dedos del culo vive y mora,
y cuando aquesta caga, es mierda pura.
Esto tiene la hermosa y más la fea,
veis aquí el muladar que os enamora,
cágome en el Amor y en su hermosura.

Soneto.

Abracen, bella Tirse, tu cabeza
aquestas flores que con blanca mano
hurté de entre sus galas al verano,
atrevimiento igual a mi pobreza.
En ellas imitó naturaleza
algo del rostro tuyo soberano;
el don es pobre y el dador villano:
sólo mi voluntad les da riqueza.
Mas, aunque son humildes en tu frente,
bien las puedes poner por ser tan bellas:
empiézate a vestir de mis despojos;
será la vez primera que se cuente
que el suelo ha coronado a las estrellas,
pues es lo mismo coronar tus ojos.

Posteado por: Alberto Rubio | 6 abril 2010

Walton Creel.

“Un pintor pinta lo que ve, un artista pinta lo que siente” (Lens Cejudo).

En la actualidad, el arte se muestra de maneras cada vez más diversas y diferentes. Del clasicismo pictórico y las formas naturalistas se llega a trazos aleatorios e interpretaciones figurativas. Del arte tradicional al más vanguardista. Así, las nuevas ideas siempre son bienvenidas de mentes que buscan nuevas aportaciones y modos de expresarse. Algunas con mayor o menos polémica y con opiniones muy diversas en cuanto a gustos. Muchos se esconden en el anonimato y otros buscar salir a la luz con propuestas impactantes.

Artistas como el mencionado hoy por ejemplo. Walton Creel. Artista nortamericano, de Alabama, que usa como pincel un instrumento un tanto curioso e inusual: Un rifle, balas y planchas de acero. No suena bello pero crea belleza. Ya que a través de disparos sobre esas planchas metálicas crea figuras de animales totalmente reconocibles. La llamada serie “Deweaponizing the guns” (Desarmando las armas) que tardó 2 años en concluir y que según el propio autor, se puede interpretar como una reafirmación de los derechos por los defensores de las armas o como una protesta por los partidarios de su prohibición. Aunque para opiniones hay de todos los colores y más aún, en un país donde la cultura de las armas está tan arraigada.

Y es que cada arte se adapta a su tiempo.

Posteado por: Alberto Rubio | 12 marzo 2010

Love Never Dies (2010).

“I gave you my music, made your song take wing, and now how you’ve repaid me: denied me and betrayed me”. (“All I Ask of You” – Reprise). “The Phantom of the Opera”.

Siempre se habla con recelo de las segundas partes. Tanto en cine como en libros y por qué no, en musicales también. La secuela de “Casablanca” era un reto muy grande de superar y se quedó a las puertas en su narración, por ejemplo. Y ahora, nos llega otro reto.

Gratamente puedo escribir hoy sobre un regreso esperado desde que terminó la última escena de “El fantasma de la Opera”. Ni más ni menos que se estrena la continuación del musical, titulado “Love Never Dies”. Una nueva obra de Andrew LLoyd Weber, maestro de los musicales que nunca defrauda. Esta vez su idea no se centró en crear una obra desde cero sino dar una nueva historia de amor e intriga para los muchos seguidores del clásico.

La nueva trama transcurre diez años después saltando de París a Nueva York, concretamente a Coney Island, la playa de Nueva York donde se juntan un parque de atracciones con teatros. Lugar donde acude contratada por un empresario del espectáculo llamado “Mr. Y”, junto a su marido e hijo. Las sorpresas vendrán cuando llegue allí y sepa quien es exactamente el misterioso empresario que la llamó… Su argumento es menos mágico y sobrecogedor que su antecesor pero no por ello menos romántico y dramático; y como anticipo que he conseguido, con buenas melodías, sobre todo la que le da el título a la obra.  

El actor que encarna al Fantasma vuelve a ser a cargo de Ramin Karimloo, que ya interpretó tres personajes en teatro y cine. Curiosamente siendo los tres amores de Christine. Y en las manos de Christine está Sierra Bogges que fue la intérprete de Ariel en La Sirenita. 

La obra gana y pierde. Gana en su nuevo escenario en vistosidad, pero pierde parte del suspense del argumento hacia ese personaje oculto de la Opera sin nada que ahora es un magnate de la Gran Manzana que aún ama a Christine y guarda su recuerdo en un maniquí con su figura que mantiene en su despacho. La duda vendrá cuando ella sepa quien se esconde tras el apodo de “Mr. Y” y no sepa si regresar a París por petición de su esposo o cantar en Coney Island como le ruega el Fantasma.

Su fecha de estreno fue en Londres el 9 de Marzo donde tuvo gran acogida, de ahí saltará a Nueva York el 11 de Noviembre, y en el 2011 hasta Australia. Y ahora viene el debate entre seguidores y detractores. Quienes creen que es un sacrilegio dar vida fuera de la Opera a la novela de Gaston Leroux, y quienes defienden la nueva historia. Habrá gustos y opiniones de todo tipo. Yo abogo por ambas opiniones (siempre he sido muy ambiguo, algo que creaba ciertos problemas), ya que considero que, a la vez que me llena de ilusión ver más allá, conocer el futuro de los personajes donde suponía el punto final, también creo en la necesidad en ciertas ocasiones de dejar tal y como están ciertas obras. Y cada uno, que cree las secuelas que crea son mejores…

Mientras, disfrutemos del nuevo libreto y de las nuevas canciones.

Posteado por: Alberto Rubio | 4 marzo 2010

Pitu de Caleya (Asturias).

“Más vale comer pan con amor, que pollo con dolor” (Proverbio español).

Con este nombre que puede sonar extraño a algunos, se designa a un tipo de pollo que nace de las tierras de Asturias. Son pollos que se escogen desde su nacimiento y se alimentan sólo con maíz y trigo. Su vida se desarrolla en un mundo rural 100%, con plena libertad, y  es solo cuando llega la noche, cuando se refugian en unos recintos semi cerrados para preservarse del frío y de los depredadores.
Su alimentación, junto con su libertad para moverse, son las principales razones para que su carne sea sana y natural. Una carne que dicen es un verdadero manjar y que por desgracia no acaba de ser muy conocida.
Algunas diferencias que se dan entre el pitu de caleya y el pollo tradicional son:
– El pitu de caleya se alimenta con maíz y trigo naturales, además de lo que ellos picotean por el prado y el periodo que transcurre desde su nacimiento hasta su venta es de aproximadamente doce meses.
– El pollo que se comercializa viene de explotaciones masivas, se alimentan de piensos, están en recintos que no se pueden mover, por lo cual crecen de una forma muy poco natural, tan solo en tres o cuatro meses.

Así, la carne del pitu es mucho más exquisita y sana al ser tratados con tanto esmero y de un modo natural que les diferencia del pollo que podríamos llamar “industrial” o de ciudad.

*Ingredientes para la receta tradicional:

–1 pollo de corral

–2 cebollas

–pimiento verde

–pimiento rojo

–1 zanahoria

–perejil en rama

–coñac

–sal

*Preparación:

Después de trocear el «pitu», lo adobamos en sal y ajo y, acto seguido, lo regamos bien con un chorro de coñac y lo dejamos reposar durante 24 horas. Preparamos la sartén con abundante aceite bien caliente y freímos el «pitu» hasta que esté bien dorado. Después, lo colocamos en una tartera junto con las dos cebollas debidamente picadas, los medios pimientos y la zanahoria (todo troceado) y la rama de perejil. Le añadimos un vaso de agua y medio vaso de coñac y lo dejamos cocer a fuego lento hasta que esté tierno.

*Guarnición: 

Freímos las patatas (tipo avellana: pequeñas y redondas) y, posteriormente, las cocemos en una tartera durante media hora, junto con la salsa del «pitu». Cuando estén bien cocidas, las añadimos al «pitu» y presentamos el plato acompañado de los pimientos de piquillo.

*Consejos prácticos:

Para hacer el consomé, usaremos los menudos del «pitu», que cocemos junto con dos litros de agua, media cebolla, una rama de perejil y azafrán en rama. Una vez cocido, colamos el caldo y lo servimos acompañado de trocitos de pan frito.

(Fuente: Mancomunidad de la Comarca de la Sidra).

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